Roppongi Crossing - Connexions @MAM

The sixth edition of “Roppongi Crossing” exhibition is on at the Mori Art Museum in Tokyo. To remind you, the exhibition series started in 2004 and is held every three years showcasing works by Japanese contemporary artists linked together by a common theme. Great themes were covered over the years, and I have seen a few (for example see these 2007 edition and 2016 edition).

This years theme is “connexions”, meaning the artists selected for this year produced artworks that somehow put two distinct fields or things or concepts together. The reason behind the curators choice is that our modern world is dominated by disparities, divisions or isolation, thus they wanted to favor connections expressed through art. There are three main keys to this exhibition. The first one is technology, or else how we can try new technologies or artificial intelligence and express them via artworks. The second is observation of society: artists take inspiration by the daily events in life, they study society, their needs and extrapolate their point of view. The last and most relevant key to the theme is connection of two, wherein artists simply put together unrelated things and create new things or new meanings.

Now, I did love all the previous editions of the 'Roppongi Crossing” exhibitions, except perhaps the last one three years ago. This year, again, I was not particularly amused. Maybe it was because I didn’t really understand the artworks…I mean, modern art, right? abstract and abstruse to most…Or maybe the selection of the artists and collective was not that enticing this time…

Anyway, some pieces were interesting and intriguing, or just smart interpretation of the theme.

Two pieces of art in the collection were fusion between wooden home furniture items and old parts of cars or vans. The artist behind them, Fumiaki Aono, has a history of mending the various bits and pieces he finds abandoned here and there. A clever and well made work that perfectly fits one of the exhibition keys.

The artist Tsuda Michiko made a walk-through installation inspired by the adventures of Alice in wonderland. A checkered board with cameras, monitors and mirrors aimed at recreating the distorted reality Alice experienced when in wonderland. The installation was clever, and arranged in a way such that while the people walking through the art could see themselves only in mirrors, others from outside could watch the actions of those walking through on the monitors.

A very interesting piece by Ken and Julia Yonetani was a very big iron statue of an ant. It was designed such that its body was just a shape of metal wires entirely beaded with UV-sensitive uranium glass beads which would light up in green when exposed to that light. This was amazing, for some reasons, and the level of detail was impressive. It felt like being in the movie “honey, I shrunk the kids”, that’s how big the ant was…

But there was a deeper meaning in this sculpture that has to do with uranium mining and invasion of local aboriginal territories in Australia: in a region of Northern Australia, the aboriginal people told a legend of a green ant, recounting that if the earth in that region is dug up, a giant green ant will emerge from underground to destroy the world. Such a legend didn’t obviously stop the mining, and the rest is history.

Finally, an artist whose art was provoking, in a good way, was Enomoto Koichi. His paintings are a mix of pop culture, myths, history and fun facts. One of his paintings was titled “where the brain belongs to” and I think it perfectly depicted the concept. Crude and saddening, his art is a sort of snapshot of our current times.

Other than the mentioned works, not much else was captured by my (probably uneducated) artistic self….I mean, there were installations made with wood and clothes, canvas with a mix of photoshopped images and painting that really didn’t move any feelings; this other artist made a smaller scale olympic stadium where all spectators were…porcelain statues of cats. Yea. The connection here was that he suffered from the loss of his own cat and went through a lot of different emotional states, feelings which are the same felt by people due to the upcoming olympics in 2020…whoa, so much for grieving!

A couple of robots (Alter 1 together with its improved version Alter 2) were shown in a video where the two robots with the face of boys would move randomly and make sounds (as if they did’t mastered speech yet), and another video showed a (supposedly) higher AI robot who could also sense and feel and was involved in a romantic relationship with a woman (the artist herself in the video) whom he was teaching pottery (another movie reference here would be “ghost”). This last one, to me at least, was disturbing.

Another thing I didn’t like was this other art installation: fishing lamps were immersed in an amber liquid inside a very big glass ball, and hung with chains from the ceiling like giant lightbulbs…..now, if it wasn’t for the fact that the liquid were honey, this work would have been nice. But, honestly, all that precious honey “wasted” for just an artistic whim….I don’t know man, it didn’t feel right at all. Not one bit.

So, yeah, all in all I was impressed. Not. Oh, and did I mention the works of this guy who loves taking photos of himself naked in capsule hotels? Man, seriously? I no want no connexions with that guy, thanks. 

Fortunately the city view observation deck meets everyone’s expectations all the time.

*************

la sesta edizione della mostra “Roppongi Crossing” e’ in scena al museo Mori a Tokyo. Vi rammento, la serie di queste mostre a tema e’ iniziata nel 2004 e si tiene ogni tre anni, e propone opere di artisti contemporanei giapponesi che sono accomunati appunto dal tema. E grandi temi sono stati scelti nel corso degli anni. Il tema di quest’anno e’ “connexions”, ovvero gli artisti selezionati per questo giro hanno prodotto dei lavori che in certo modo hanno messo assieme due cose o campi o concetti assieme. La ragione dietro questa scelta, a detta dei curatori, e’ che il mondo moderno e’ dominato da disparita’, divisioni o isolamento, quindi c’era una voglia di creare connessioni attraverso l’arte. Tre sono le principali chiavi di lettura della mostra. La prima e’ la tecnologia, ovvero come possiamo provare nuove tecnologie o intelligenza artificiale e esprimerle via arte. La seconda e’ osservazione della società: gli artisti si ispirano dagli eventi quotidiani, studiano la società, i suoi bisogni e estrapolano i suoi punti di vista. L’ultima e più importante e’ la connessione di due, dove gli artisti semplicemente mettono in relazione cose slegate e creano nuove cose o nuovi significati.

Tutti sanno quanto le mostre precedenti mi siano piaciute, eccetto forse quella di tre anni fa. Anche quest’anno devo dire che non sono rimasta colpita. Forse perché non ho compreso bene le opere…dico, arte moderna, giusto? Astratta e astrusa ai più. O forse la selezione degli artisti contemporanei non era proprio accattivante.….

Comunque, alcune opere erano interessanti o semplicemente una intelligente interpretazione del tema.

Due pezzi della collezione erano una fusione tra mobili in legno e parti arrugginite di macchine vecchie. L’artista dietro tali opere, Fumiaki Aono, e’ famoso per congiungere appunto vari pezzi che trova abbandonati in giro. Un lavoro ben fatto e sagace che ben soddisfa una delle tre chiavi di lettura della mostra.

L’artista Tsuda Michiko ha creato una installazione camminabile ispirata dalle avventure di Alice nel paese delle meraviglie. Una base a scacchiera con videocamere, monitor e specchi puntava a ricreare la realtà distorta di Alice. L’installazione era ben fatta, organizzata in modo che mentre quelli che camminavano sulla scacchiera si potevano vedere negli specchi, quelli al di fuori osservavano chi era dentro dai monitor.

Un pezzo molto interessante era quello di Ken e Julia Yonetani: una grandissima statua in metallo di una formica, il cui corpo era formato da cavi in metallo infilzati di perle di vetro-uranio sensibili ai raggi ultravioletti. Queste perle in vetro risultavano verdi quando esposte alla luce giusta. In qualche modo quest’opera era incredibile, e il livello di dettaglio impressionante. Sembrava di essere dentro al film “tesoro mi si sono ristretti i ragazzi”, tanto la formica era grande…

Ma c’era un significato più profondo nella scultura, che riguardava cave di uranio e invasione dei territori aborigeni in Australia: in una regione del nord Australia, le popolazioni aborigene credevano a una leggenda secondo cui se le terre nella zona venissero scavate, una formica verde sarebbe emersa e avrebbe distrutto il mondo. La leggenda non e’ stata ovviamente abbastanza per fermare l’inizio degli scavi per l’uranio. E il resto e’ scritto nella storia.

Infine un artista la cui arte era provocatoria, Enomoto Kochi, i cui dipinti erano un miscuglio di cultura pop, miti, storia e fatti curiosi. Uno dei suoi quadri si intitolava “dove il cervello appartiene” e penso che il contenuto rendeva benissimo il concetto. Crudo e triste, i suoi pezzi sono una rappresentazione dei tempi correnti.

A parte queste opere citate, non molto altro ha catturato la mia (possibilmente ignorante) personalità artistica…c’erano installazioni fatte di legno e vestiti, quadri che erano un mix di imagini modificate con photoshop e pittura che proprio non hanno smosso nessun sentimento; un altro artista selezionato ha creato una stadio olimpico in scala ridotta e lo ha riempito….di statuine di porcellana di gatti. Eh, esatto. Pare che la connessione qui fosse il fatto che lui ha sofferto per la perdita del suo gatto passando attraverso diversi stati emotivi, e che gli stessi sentimenti sono quelli nutriti verso le vicine olimpiadi del 2020…ammazza, un tantino azzardato come collegamento per la perdita di un gatto!

C’era un video di due robot (Alter 1 e la sua versione migliorata Alter 2) con fisionomie di giovani ragazzi che si muovevano ripetutamente e emettevano suoni (come se non riuscissero ancora a comporre parole), e poi c’era un altro video in cui si vedeva un robot di intelligenza superiore che poteva provare sentimenti e era innamorato di una donna (nel video era l’artista stessa) a cui insegnava a fare vasi in terracotta (per fare un altro riferimento a un film, pensate a “ghost”). Quest’ultimo video mi ha turbata.

Un’altra cosa che non mi e’ piaciuta era questa installazione in cui delle lampare per la pesca erano immerse in un liquido ambrato in grandissime giare di vetro sospese dal tetto, come fossero delle lampadine giganti…ora, sarebbe stato tutto a posto se quel liquido non fosse miele. Dico, onestamente, tutto quel prezioso miele “guastato” per un’opera d’arte…Non lo so, non mi pare giusto, ma per niente.

Quindi si alla fine non sono stata poi cosi colpita. Ah, e non ho menzionato le opere del tipo che rappresentavano foto dell’artista stesso nudo in hotel capsula? Ma, serio? No non voglio nessuna “connexion” con sto tipo, no grazie.

Per fortuna la piattaforma dell’osservatorio e’ sempre all’altezza di ogni aspettativa.